RUI VELOSO: OS VÊS PELOS BÊS

Sobre Rui Veloso já tive a oportunidade de ler as opiniões mais díspares. Ainda recentemente, num comentário a um post inserido no blog YéYé do meu amigo Luís Pinheiro de Almeida, alguém o apelidava, e cito, «o António Calvário do cavaquismo, assim uma espécie de cantor do regime!». No polo oposto, quantas vezes a designação de “Pai do Rock Português” não lhe foi já concedida?

É por demais sabido que extremismos nunca levarão nada a bom porto. E se apenas por maledicência se pode conotar o Rui Veloso com o nacional-cançonetismo (o que até pode não ser um insulto, pois mesmo dentro desse período musical se conseguem ouvir coisas muito interessantes e de qualidade), já o cognome de “Pai do Rock Português” só poderá ser atribuído por ignorância. Como diria o meu amigo José Forte, «Rui Veloso é tanto pai do rock português como o Elvis Presley é o rei do rock ‘n’ roll». Com o devido distanciamento, é claro. Aliás, sendo o Rock um tipo de música marginal e irreverente, nunca lhe consegui vislumbrar “sangue azul” ou atribuir sequer uma ascendência legítima. Pelo contrário, sempre o vi mais como que um bastardo filho-da-mãe, fruto acidental de uma noitada de copos e devaneios.

Há quem também tente justificar o êxito do Rui Veloso com as condições propícias em que ele apareceu. Económicas, sociais e culturais. Não partilho essa opinião. É verdade que os tempos têm a sua influência, mas penso sinceramente que Rui Veloso seria sempre Rui Veloso e que a sua qualidade se imporia de qualquer modo, independentemente da altura em que aparecesse, contra ventos e marés e arautos da desgraça.

A propósito, vale a pena ler o que escreveu o Daniel Bacelar, um dos pioneiros, no início da década de 60, do Rock cantado em português (e se o Rui Veloso fosse efectivamente o “Pai do Rock Português”, o Daniel seria provavelmente o “Avô”):

«A minha opinião vale o que vale mas continuo a achar que no meio de muita coisa má que apareceu no chamado novo Rock dos anos 80, apareceu muita coisa boa que como de costume desapareceu (as pessoas têm de ganhar a sua vida por outros lados) e também apareceu o excepcional. Incluo o Rui nesta última classe, pois acho-o um artista completo (extraordinário guitarrista, uma voz expressiva e rica, e um compositor cheio de talento). O que lamento é a nossa capacidade tão portuguesa de destruir aquilo que é bom (a nossa inveja é uma doença que nos consome até á destruição total que aí vem em passo acelerado ) em vêz de acarinhar e divulgar o que há de bom nesta terra.»

Esta dupla coletânea de 40 temas foi arquitectada há já quatro anos, mas continua actual, apesar do seu período englobar duas décadas. São canções que fazem parte do modo de estar português e que por isso mesmo a grande maioria de nós reconhece aos primeiros acordes, não sendo necessário ser-se conhecedor ou sequer apreciador de música portuguesa. É assim a música do Rui que, apesar do título do seu segundo album, nunca passa de moda.Tal como nessa altura, dedico esta compilação do “Melhor de Rui Veloso” a uma fã incondicional do cantor, uma rabiteza linda que há dez anos atrás, numas vésperas de Natal, pegou numas “Avenidas” e as ofereceu, inteirinhas, ao autor deste Blog.

Se depois de ouvirem as músicas do Rui ainda sentirem a necessidade de o ver em cima de um palco, aconselho-vos o DVD do “Concerto Acústico”, editado há cinco anos atrás, no Natal de 2003. Além dos 18 temas que constituem o alinhamento do espectáculo (gravado num ambiente intimista, com algum público em redor dos músicos), o DVD inclui vários extras, como por exemplo uma entrevista informal com os músicos em casa do Rui Veloso, o making of do DVD e dois temas extras: o “Primeiro Beijo”, gravado no mesmo cenário do concerto com o acompanhamento dos Cabeças no Ar (Tim, João Gil e Jorge Palma) e toda a emoção do tema “Porto Sentido”, gravado ao vivo no Coliseu do Porto.

Para quem queira aprofundar conhecimentos, existe já publicada uma biografia, “Os Vês Pelos Bês” (edição Prime Books, Novembro 2006), da autoria de Ana Mesquita, uma conterrânea mais nova do Rato. Dos diversos depoimentos inseridos na contra-capa do livro, permito-me destacar o de João Gil (que depois de vários projectos em grupo viu recentemente editado o seu primeiro CD a “solo” para 7 vozes, incluindo a do próprio Rui Veloso):

« Cresceu ao ponto de conseguir ultrapassar as exibições de virtuosismo e alcançou a capacidade de espaçar, procurando sempre a melhor nota, sem se preocupar tanto com a velocidade. Ou seja, em vez de dar as cinquentas notas do cardápio, escolhe apenas duas. Duas notas tão intensas, tão expressivas, que nelas se resumem as vidas de todos nós.»

DISCOGRAFIA (ALBUNS ORIGINAIS):
1980 - Ar de Rock

1982 - Fora de Moda

1983 - Guardador de Margens

1986 - Rui Veloso

1988 - Ao Vivo (duplo)

1990 - Mingos & Os Samurais (duplo)

1992 - O Auto da Pimenta (encomenda da Comissão dos Descobrimentos)

1995 - Lado Lunar

1998 - Avenidas

2003 - O Concerto Acústico (duplo)

2005 - A Espuma dos Dias (edição especial com DVD)

(Ver Biografia no Cotonete)

CINEMA RETRO

An interesting magazine, which pretend to be a guide to movies of the 60's & the 70's. Nice articles and photos inside, including pin-ups and many film posters. The "Film in Focus" in this number is "Vanishing Point", which I finally added to my private collection recently. In the front cover is the sensual Margaret Nolan. Born in London, in 29 October, 1943 (65 years after tomorrow!), she had a career as a glamour model under the name of Vicki Kennedy, even posing for Playboy magazine in 1965. But today she's probably best remembered for her role as "Dink" in 007's "Goldfinger" (1964). She also appeared in several movies of the "Carry On..." series. She's now retired to Spain.

EP BELTER 51.940 (ESPAÑA, 1968)

MADALENA IGLÉSIAS

"Poema De Vida"

Li há pouco no blog YéYé que esta senhora fez 69 aninhos ontem. Como tinha este EP espanhol para aí, não resisti a esta pequena homenagem, até porque a acho lindissima nesta fotografia. As orquestrações são do espanhol Adolfo Ventas, que neste ano, através da editora Belter, ajuda a promover a cantora internacionalmente. Madalena Iglésias fica em 4º lugar nas Olimpiadas da Canção com "Tu Vais Voltar" e vai ao Festival do Rio de Janeiro onde interpreta "Poema da Vida".

A PROPÓSITO DE "LET IT BE"

Ainda eles! O tom desta exclamação podia variar até ao infinito, exprimir o entusiasmo mais intenso ou o aborrecimento mais profundo, consoante... consoante o quê? Consoante se seja “menino pop” ou progressista convicto? Adepto da sociedade de consumo ou do “underground”? A evolução das reacções do público em redor de cada nova obra dos Beatles são de tal modo significativas, que lembram cada vez mais a morte de um grande amor. Embora tudo isso seja relativo, pois se nos formos a fiar nos números, o grupo nunca foi tão popular. O público de que falávamos, aquele que queima hoje o que adorou ontem, não constitui mais do que uma pequena minoria. Aquele que se compõe de “conhecedores”, dos “verdadeiros amantes do pop”, aquele que está ao corrente de tudo o que se faz. Essa não julga os Beatles senão comparando-os com o que fazem os outros conjuntos, não tomando como termo de comparação apenas os mais progressistas e para afirmar que em relação a eles, os Beatles estão já ultrapassados.

É certo que eles estão ultrapassados. É certo que Jimi Hendrix ou o Lifetime de Tony Williams vão um pouco mais longe. E depois? Apesar de tudo eu defendo-os, enquanto todos os atacam, e porque o seu último album, “Let It Be”, me agrada. Sim, eu defendo-os, porque sempre fizeram música boa. Muito boa mesmo, porque continuam a ser os mestres incontestáveis da melodia “pop” e maravilhosos intérpretes, e porque, sobretudo, oh! sobretudo porque não se tomam a sério (escutem o anteentróito de “Let It Be”, aquela vózinha ridícula que anuncia: «E agora vamos tocar “Todos os anjos vieram”»).

Que o conjunto não progrediu tècnicamente desde o LP “Sgt. Pepper’s”? É incontestável. E depois? Evoluiram por ventura os Stones? O mal é que sempre nos habituámos a pedir o impossível aos Beatles. Era necessário que eles tivessem permanecido os compositores que são, os intérpretes que são, e ainda que rivalizassem em virtuosismo com Jimi Hendrix ou Clapton.

Enfim, eles deixaram de existir como conjunto e esta será a última ocasião que os seus detractores terão para os apunhalarem pelas costas.

Como é de “Let It Be” que queremos falar, digamos imediatamente que este disco demonstra pelo menos, cabalmente, uma coisa: que quatro Beatles juntos valem muito mais do que três Beatles separados, pelo menos. Comparado aos pobres albuns de Ringo e de Paul, este pode fàcilmente fazer figura de obra-prima. Não contém surpresas, é certo. Mas quem desconhece que o tempo das surpresas para os Beatles-grupo já passou?

Escutar Paul em “Let It Be”, e escutá-lo no seu próprio album é chegar à conclusão de que ele, mais talvez do que os outros três, perdeu bastante ao precipitar a dissolução do conjunto. Cantor soberbo e compositor inspirado, brilha aqui com um singular aparato, enquanto que solitário, não é mais do que um bom artista no meio de tantos outros.

Porquê? Talvez porque os Beatles não sejam em grupo, a expressão real daquilo que são como indivíduos. Talvez porque fabricassem a quatro, com técnicas comprovadas, receitas repetidamente comprovadas, uma arte totalmente estranha à sua mentalidade e às suas preocupações de momento. Uma arte distanciada, inexpressiva, mas à qual, e é aí que intervem o milagre Beatles, o inexplicável que podemos classificar de genial, por não sabermos qual procedimento ou qual profunda sensibilidade (não pode ser outra coisa senão a consciência profissional) o grupo lograva sempre encher uma parcela de vida, um rasgo de bom humor, um brinde de humor. E é aí que intervém o paradoxo que ilustra admiràvelmente a fuga solitária de Paul: sem motivação real, a sua arte era infinitamente superior à que se propõe hoje em dia, a que se deseja ser o reflexo da sua vida sentimental.

O caso de Ringo é diferente, pois de instrumentista (e não sabemos quão inexpressivo instrumentista ele é), tornou-se cantor, mudança que exclui toda a possibilidade de julgamento.
E George? É preciso esperar o seu album com Dylan para podermos falar, pois seria bastante injusto condená-lo musicalmente tendo em vista os discos que produziu.
O caso de John é de longe o mais interessante, pois é o único dos Beatles a possuir uma mensagem tão forte, que consegue ultrapassar o conjunto. Existe atrás da facilidade de escrita (musical) de John, qualquer coisa que é uma poderosa motivação e que lhe permite criar sózinho (com Yoko, mas Yoko é ele), uma arte renovada, menos açucarada do que a dos Beatles, menos rica melódica e harmoniosamente, mas com um impacto mais raivoso. Ao contrário dos seus três amigos, John é frequentemente visitado pela inspiração na vida de todos os dias. Resta-nos, pelo menos, isso. Isso e “Let It Be”. Disco e “souvenir” maravilhoso.

(in revista “Tempo” nº 1, LM, 20 de Setembro de 1970)

NOTA: Como o José Forte fez muito bem em me alertar, esta é uma tradução de um artigo aparecido no nº 41 da revista francesa "Rock & Folk", em Junho de 1970 e assinado por Philippe Paringaux. Tal tradução, inserida na revista "Tempo" acima indicada, não faz qualquer referência à fonte original, daí o eu ter-me limitado a transcrevê-la. Quem quiser portanto lêr o artigo original pode fazê-lo mo blog do José, a Loja da Esquina.

MÚSICA POP

Música pop - «Ó Micas põe isso mais baixo! Raio de rapariga, não há meio de ter juízo. No meu tempo..., as valsas do Strauss, ai que maravilha...» (concepção da vóvó, que tem 89 anos, bicos de papagaio e um gatinho angorá).
Música pop - «Os Beatles e o Adamo é que são bons e pronto!» (concepção da Lolocas, 13 anos, frequentadora assídua de bailes e boites. Veste muito bem. Muito “pop”. Extremamente “pop”. Devora semanalmente a “Onda” do Nuno e do Pedrocas, e delira com as últimas do Mourão).
Música pop – «o Soft Machine, o Blood Sweat and Tears e o Ekseption. A sequência sonora adquire espasmos emocionais extraordinários, devido ao emprego do ritmo ¾. Uma qualidade mística sustentada tradicionalmente mas que...» (concepção do Aristóteles Silva. Quarto ano de Filosóficas, magro, óculos. Intelectual. Só lê Sartre, Hemmingway e Bendit. O “Astérix” também, desde que se tornou intelectual ler “Astérix”.
Pop. Abreviatura do inglês “popular”. Popular em português também. Significado: (do dicionário) – relativo ao povo, favorável ao povo, do agrado e pertença do povo.

Música pop(ular) – música do agrado do povo.

Povo = maioria (minha concepção).
(in revista "Tempo" nº 1, LM, 20 de Setembro de 1970)

REVISTA TEMPO: LM, ANOS 70

Todos os conterrâneos do Rato se lembram da Revista "Tempo", que constituiu no princípio dos anos 70 uma referência obrigatória no jornalismo moçambicano. Saía aos Domingos, custava 7 escudos e cinquenta centavos, e este é o primeirissimo número, de 20 de Setembro de 1970.

Periodicamente irão aparecer por aqui imagens e textos publicados nos números editados nos primeiros anos de vida da revista e que, de um modo ou de outro, espelham a sociedade laurentina daqueles anos.

O aparecimento deste primeiro número coincidiu com a chegada do Verão:

«Começou a chegar gente de todos os lados. As mamãs e os meninos – por causa do iodo; matulões de todos os tamanhos – para fazer exercício, arranjar um tom de pele menos burocrático; e elas, claro, por todos estes motivos e mais um: o fato de banho.
Há ainda os mirones, verdadeiros espectadores do eterno espectáculo da praia, para quem o sol, o iodo, a brisa do Índico vêm apenas por acréscimo.
O calor é, assim, um pretexto para milhares de pessoas alterarem os seus hábitos. A praia reinará por largos meses, o centro de gravidade de Lourenço Marques sofreu um deslocamento, a cidade ficou mais perto do Oceano.

O sol, quando nasce, é para todos.
E as mulheres bonitas, os novos modelos de fato de banho nascem como cogumelos sobre a areia escaldante. Há mais mulheres bonitas agora, como se o calor as fizesse desabrochar para a vida e para a luz, cada Verão que chega.
Velho como o bicho homem, eis o cerco: elas sentam-se ao sol, fingem que não vêem nada; eles começam a gravitar à volta, acabam por se sentar, às vezes em grupo. Depois começa a batalha “anti-aérea”, por entre a barragem dos óculos escuros. E assim o mundo se vai superpovoando.

Os últimos meses, em que a África, de casaco e gravata, tentou imitar a Europa são já uma recordação.

Chegou o calor. Viva o calor!»

BOTA - FORA: Júlio Pereira e Carlos Cavalheiro

Edição Original em LP Orfeu STAT 030 (1975)

1. Pedro Soldado (extracto) (César Augusto / Júlio Pereira)

2. Cordas (César Augusto / Júlio Pereira)

3. Capitão Ambrósio (extracto) (Gabriel Mariano / Júlio Pereira)

4. Sachilemo (Fausto / Júlio Pereira)

5. Bota-Fora (José Mário Branco / Júlio Pereira)

6. M.P.L.A. - A Vitória é Certa (César Augusto / Júlio Pereira)

7. Independência (Sérgio Godinho / Júlio Pereira)

8 Viva a Guiné-Bissau Livre e Independente (José Mário Branco)

9. A Nossa Homenagem (Júlio Pereira)

TOP OF THE POPS (1969-1971)

A pedido do JPA aqui fica de novo este post:

What is a hit tune? The producer of "Top of the Pops", a keen student of such things, reckons that, to be a hit, a tune must arouse a desire to possess.
Ever since Man, having outlived the Sabre-toothed tiger, found time to whistle, there have been hit tunes. Most of these have their day and go their way; but every now and then one comes along which for some reason is different. It ENDURES. Take "Greensleeves", for example. Old Henry VIII, to whom it is generally attributed, admittedly was in a marvellous position in his day to influence the plugging; and might well have made it a hit by unfair trading. But, without its sheer quality, it could never have survived the centuries.

The Hallmark "Top of the Pops" series was first released in June 1968, with the top session musicians and singers coming together to record the hits of the day. Fourteen years, 92 albums and millions of sales later, the series came to an end, although copies of the originals continue to turn up at charity shops the country over! Indeed, the original "Top of the Pops" series has developed a kitsch market all of it own. But back on the late 60s (and in all the subsequent years) those records accomplished their purposes. I think that everyone older than 45 has danced at least a couple of times to the sound of the "Pops", in those kid's afternoon garage's parties. And which one of you hasn't one copy or two of those albums?

So, to remember those old and candid dancing parties (something that don't exist anymore for a long long time), Rato Records has assembled 32 outstanding tracks of the "Top of the Tops" series (from 1969 to 1971, because those are Rato's party years) and brought them together in two CD's. And if, in a few hundred years' time, your descendents find a "Greensleeves" or two in this collection, I will not be a bit surprised.

Inside the files, you'll find the first 21 original covers, from 1968 to 1971. The cover girls on the first eight discs were a mxed bunch, though mercifully whoever was responsible for the cutting out of the poor woman on Vol 1 (she lost half her hair in the process) didn't last long. The idea seems to have been to present an agreeable image that wouldn't put anyone off buying the albums. If there was a theme it was head-gear - hats, headbands and scarfs adorn the first six models. With Vol 7 the pulses quickened with a glimpse of a leather mini-skirt and on Vol 8 the first bikini - albeit a vaguely Christmassy affair (it was on sale during Nov/Dec 1969) in white fur!

Now and then our corporate ears start to glow at a pleasant bit of news, such as when the girls of a factory floor sent a message to the effect that they've pretty much stopped buying Singles, being now content to wait for each successive Hallmark LP.And it was true; TOTP albums were starting to make the industry take notice, as people could buy a dozen potential hits for around 13s 11d. The cover girls also began to get a little more provocative as Hallmark gained confidence. So in 1970 the skirts got shorter (especially on Vol 9!) and the poses were certainly less inhibited than before.As 1971 came round, they risked all and went with the first glimpse of nudity initially with an open shirt and then a see-through top which, with the colours relected in the cover titles, was one of the best sleeves to date.

The cover images became also a little more professional too (Vol 17 aside - surely a left over image from the first year?) but the basic layout of a simple border design with titles inside, plus the TOTP logo which had adorned Vol 1, remained the same. It was this generic feel which contributed to the series' success (and which seems to have made them the most collectable of these cover albums today). Fashion historians can also deduce that 1971 was the year Hot Pants came in - while the bullet belt on Vol 20 was a must have accessory amongst many rock bands.

SOUTH AFRICAN BEAT COLLECTION 3

This is the third and last volume of South African Beat Music from the 60's and early 70's. Thanks again to Carlos Santos who provide me the great part of the tracks. Maybe in the future some more songs will be discovered, who knows? Meanwhile I advise you all to collect these 3 volumes, because they are full of rarities, which are very hard to find elsewhere.

Only by curiosity, this is

Rato Records's post number 1000!!!

"ONDA POP" FAZ 40 ANOS!

Realizou-se ontem, domingo, no restaurante “Casa das Quintas” em Cascais (na Quinta da Bicuda) um almoço comemorativo do 40º aniversário do lançamento do “Onda Pop”. O grande impulsionador da reunião foi o Zé Couto, a quem deixo aqui um grande obrigado pela iniciativa e respectivo convite.

Para quem não saiba, o “Onda Pop” foi o 1º suplemento português dedicado exclusivamente à música, que aparecia semanalmente incluído no Jornal “Notícias” de Lourenço Marques (Moçambique). Nasceu em Outubro de 68 por iniciativa de três carolas: Duarte Nuno, João Pedro Gouveia e Luís Filipe Arriaga. Durou cerca de dois anos e meio, tendo o último número sido publicado em Maio de 1971.

No almoço, e para além dos membros fundadores, estiveram diversos nomes ligados à música moçambicana dos anos 60: o Juka dos Opus 69, o Mário Frerreira, dos Night Stars, o João Maurílio dos Impacto e AEC68 e ainda outros de que de momento não me recordo o nome. Marcou também presença o José Manuel Santos, que escreveu muitas das letras das canções da Techa e do Luís Filipe Arriaga.

Foram distribuídas t-shirts e badges alusivos ao evento e, aproveitando a presença dos Portuguese Nuggets, CD’s e Vinis do album “Cazumbi”, recentemente editado (uma edição limitada a 700 exemplares) com temas de grupos daquela época oriundos de Moçambique, Angola, Congo e África do Sul.

Tratou-se portanto de um animado convívio, com cerca de 50 pessoas, onde não faltou o verdadeiro caril de camarão à moçambicana (com o tradicional molho à piri-piri), ou o dono do restaurante, Hernani Muñoz (sobrinho da grande actriz Eunice Muñoz), não fosse, também ele, nascido em Moçambique. Nos altifalantes, durante todo o repasto, apenas se ouviu música desses gloriosos anos, quer de Moçambique quer da África do Sul.

A única decepção foi apenas ter circulado por lá um único exemplar do suplemento “Onda Pop”, mais precisamente o comemorativo do 2º aniversário, de 1970. Sabendo-se que alguém guarda todos os números publicados, seria muito interessante a junção da totalidade dos suplementos num único volume que pudesse ser consultado numa próxima reunião. Já para não falar numa edição para coleccionadores (evidentemente fotocopiada), que seria ouro sobre azul e que teria, estou certo, muita gente interessada na sua aquisição.

"Is Funny How Young Lovers Start As Friends..."

Produced and Directed by Lewis Gilbert (UK, 1971)
Associate Producer: Geoffrey Helman
Screenplay by Jack Russell and Vernon Harris
(story by Lewis Gilbert)
Cinematography by Andréas Winding
Film Editing by Anne V. Coates
Music by Paul Buckmaster
Songs by Elton John and Bernie Taupin

Nominated for the 1972 Golden Globe of Best Foreign-Film.

CAST:
Sean Bury ... Paul Harrison
Anicée Alvina ... Michelle La Tour
Ronald Lewis ... Mr. Harrison
Toby Robins ... Mrs. Gardner
Joan Hickson ... Lady in bookstore
Pascale Roberts ... Annie
Sady Rebbot ... Pierre

In 1971, a little film by the name of Friends became a huge commercial success around the world. Universally denounced by critics, director Lewis Gilbert's tale of two teenagers in love in the Camargue charmed and delighted untold thousands. The album soundtrack by Elton John and Bernie Taupin also became a hit.

And those so-called critics probablly didn’t felt the magic of this jewel because they weren’t young anymore. Paul Harrison would say «pauvres idiots», while Michelle Latour would call them «poor silly bastards» with her tender accent.

The film's greatest strength – apart from Alvina's extraordinary performance and presence (sadly, the actress died two years ago, at only the age of 53) and, to a lesser extent, Bury's – is its evocation of Arcadia, that magic, protected place where life may be lived as the rest of us can only dream. Literature and art has for all time been obsessed with the many forms of Shangri La, but cinema has not been that successful at evoking it (the very artifice feels more like an attempt than a true experience).

The white cottage and Camargue of Friends is a perfect embodiment of that world – a place where no stranger/adult enters and which even the police cannot track down. This is why, by the end of the movie, they must wait overnight (one assumes in a local village) and return the next morning to the vineyard to await Paul.

Shot by Andréas Winding, the film is always extremely beautiful to look at (though the David Hamilton-esque patina dates it at times), and thoughtfully directed (the green of nature is kept out until the reverse close-ups of Paul and Michelle during their first meeting). Lewis Gilbert has never been regarded as a particularly inventive or imaginative craftsman, but the clearly personal nature of the material has made his work here unusually sensitive and appropriate.

The scenes of nakedness and lovemaking, which created some comment at the time, are strikingly natural, never prurient and exploit neither actor. That did not stop several critics from complaining that Alvina is exposed to more explicit nudity than Bury, but this isn't so. The full-frontal of Alvina that set the puritans afire is three-frames long, and a long-shot. What certainly did upset people was Michelle's having a baby outside the hospital system, as if this was somehow irresponsible and unbelievable. But Michelle's mother died during childbirth (presumably in a hospital), and Michelle's desire to have hers somewhere else is totally believable.

Paul and Michelle are a remarkable cinematic couple, because one always believes in, and is inspired by, their love. Few films have captured the rapture of teenage passion so sweetly; few films have created and held a teenage perspective so honestly. Gilbert has exactly captured Fournier's maxim: «My credo in art and literature is childhood. The thing is to render it without childishness.» One could add: «Nor debase it with adult perspectives.»

The elegiac world of Paul and Michelle's love may have been attacked from outside, dismantled and lost, but, by the virtue of this tender film, one can constantly return and relive it. And the magic still exist: it gives your youth back again, everytime you look at it.Three years after there was a sequel, called “Paul et Michelle”, but the times have already changed and the actors lost their innocence.

I saw this little sweet movie when it was released, back in 1971. It’s a film about innocence, the purity of young love and the determination of two young people to make a better life for themselves then they had at home. At the time it was pretty risky to have a movie about a couple of young runaways who successfully setup house and have a baby on their own. Thinking about the values of young people today, I'm not surprised the movie and Elton John's soundtrack are almost unknown nowadays.
I was then eighteen years old and for the really first time I was deeply in love with a girl of sixteen. That's the reason why I’ve never forgot this movie or the gentle music score signed by Elton & Bernie.

Friends later made a brief appearance on video (CIC-Taft) and was shown a couple of times on late-night television, but then disappeared without trace. The soundtrack went out of print, and no CD version was ever released. The first hint of revival came in 1992 when Elton John released a two-CD compilation, “Rare Masters” (DJM 514 305-1), which contains all the music (and the original's dialogue snippets: «I meant to do my work today as a lizard sunned itself on a moss-grown rock ...»). A few years later, the film was released on VHS in the US.

Finally I’ve got it in DVD, after many many years of waiting. The reason of such a delay it’s because the movie wasn’t edited in DVD in the States because of child nudity (!). I think there’s a stupid decree of American Congress that don’t allow individuals under eighteen to be shown having sex on the screen. Or for that matter, even permitted to have sexual thoughts. Nevertheless, you can buy it (Region 2) quick and easily at Galatea Shop, in Ebay.

A couple of years ago I was lucky enough to receive an email signed by Sean Bury. Unfortunetely that email was lost between some crashes of my computer. But basicly he told me that he enjoyed to know that this little film has crossed the times and won the status of a cult-movie. He told me also that he was living another life, far away from the cinema world. And that he was very happy because his new work had the gift of helping many people around him. Thanks, Sean, for the wonderful person you are and thanks also for being part of this magic movie, which caused so much happiness to so many people around the world.


«I can't believe that such a small budget film that Anicee and I had the good fortune to make all those years ago, is still receiving your kind attention. Thank you for all your comments, I assure you it was great fun to make "Friends" and an honour to work with Lewis Gilbert who has continued to make some super films.
I shall always remember Lewis's words after the Preview showing..."Sean" he said as he came up to shake my hand,"you have nothing to be ashamed of !"..(I heaved a sigh of relief)...then he added.. "But nothing to be proud of either!".

Years of dedicated training as a young actor just went down the pan!I now work with people with special needs , the money is terrible but the smiles are the best! I have been lucky enough to see both of these 2 very different worlds. One feeds upon the attention it seeks and the other is just happy being, and getting on with things quietly, but both are exciting,fun and challenge one to do better. May your gods be with you all !» (Sean Bury in Amazon.com)

I hope the day will be a lighter highway
For friends are found on every road
Can you ever think of any better way
For the lost and weary travellers to go
Making friends for the world to see
Let the people know you got what you need
With a friend at hand you will see the light
If your friends are there then everything's all right
It seems to me a crime that we should age
These fragile times should never slip us by
A time you never can or shall erase
As friends together watch their childhood fly

ORIGINAL RELEASED AS LP Paramount PAS-6004
(February 1971)

CROSBY & NASH, 1976

Original Released on LP abc Records ABCD 956 (1976/06)

First edited in June 76, this third album by David Crosby and Graham Nash was also their most immediate and homogeneous-sounding effort to date. The music has an urgent, almost raw feel, and it comes as no surprise to discover that most of the tracks were recorded "live" in the studio with very little overdubbing. Crosby may have been close to running on empty at the time, yet "Time After Time" and "Foolish Man" remain, 32 years later, two of the greatest moments in the man's vast body of work. As for Nash, his "Marguerita" has always been unfortunately overlooked, as has "Broken Bird," co-written with Crosby.

This album has been ripped from my original vinyl copy and the sound is amazing good. So I think you must profit of this special occasion. Well, in alternative, you may always go to Amazon and spend about 200 dollars on the remastered CD (or 50 dollars on a used copy). But I doubt you're a rich guy to make such a madness...

Around the World with Connie: 3rd Voyage

Around the World with Connie: 2nd Voyage

Around the World with Connie: 1st Voyage

Many people thinks that Connie Francis, aka Concetta Rosemarie Franconero, was one of the best female vocalist of all time. I certainly agree: she was the top female vocalist of the late 50's and early 60's, amassing records sales equal to and surpass those of many of her male contemporaries. She branched into big band, country, ethnic, and many many other styles of music. She has the knack of wrenching the emotions with her powerhouse voice. Connie's music, transcending any and all boundaries, is capable of taming the beast, soothing the wounded heart and lifting the fallen spirit.

Connie Francis has an affinity for languages and has sang many of her well-known songs and standards in other languages, like italian, spanish, german or even jewish. That's the reason this Rato's collection of Connie's songs is named "Around The World".

She starred in four (nondescript) films, sang voice-overs in movies for actresses who could not sing, and was a guest star on innumerable TV shows. Music critics who didn't take kindly to Francis' pop music years were eventually won over by her versatility. Until the present day Connie Francis continues to sing to sold-out audiences. She has recorded more than 70 albums (follow the link above to see her MGM discography).

It's hard to underestimate the talents of this American-Italian girl (who grew up in a Jewish neighborhood in New Jersey - she was born in Newark, in 1938, December 12). Connie Francis interpretation of music is meticulous, enabling her to become one of the most popular international entertainers of this century.

JOHNNY RIVERS AT THE WHISKY À GO-GO

Original Released on LP Imperial 9264 (1964)

The Whisky a Go-Go is a nightclub in West Hollywood, California, at 8901 Sunset Boulevard on the Sunset Strip. It has been called the first real American discothèque. It was opened January 11, 1964, at the site of an old bank building that had been remodeled into a short-lived club called the Party, by a former Chicago policeman, Elmer Valentine.
Though the club was billed as a discothèque, meaning only recordings with no bands, the Whisky a Go-Go opened with a live band led by Johnny Rivers (born John Ramistella in New York City on November 7, 1942, he changed his name by suggestion of disc-jokey Alan Freed) and a short-skirted female DJ spinning records between sets from a suspended cage at the right of the stage. When the girl DJ danced during Rivers' set, the audience thought it was part of the act and the concept of Go-Go dancers in cages was born. Rivers rode the Whisky-born "go-go" craze to national fame with records recorded partly live at the Whisky.
This Johnny Rivers debut album was one of the first LPs that I’ve bought with my own money. The year was 1965 or 1966 and I was just beginning to discover all the excitement of rock ‘n roll. The main attraction of those days were of course The Beatles but this album meant really something new to me. The tracks seemed very carefully chosen to introduce me to such classics like “Memphis”, “Oh Lonesome Me”, “Walkin’ The Dog” or “Multiplication” (only some time later I’ve discovered the original versions of Chuck Berry, Don Gibson, Rufus Thomas and Bobby Darin). I’ve listened to these ten tracks hundreds of times and through the years I’ve always returned to this exciting album with the same pleasure: old passions never die!

I have made a new back cover, because my original LP is very damaged and no one could read anything at all. And I didn't forgot to include some of the celebrity endorsements that appeared on it.

NOTA: Este album faz aqui a sua reaparição para satisfazer o pedido do meu bom amigo José Forte, de Viana do Castelo. E os que se esqueceram dele há um ano atrás podem também aproveitar agora, é claro! Ficarão muito bem servidos.

BACK TO THE FIFTIES 10

Já há mais de 7 meses que esta coleção tão apreciada pelos mais "velhotes" não aparecia aqui pela toca. Ok, agora que ela regressou, e em força, fica a promessa de a verem chegar rapidamente à primeira dúzia.

CHICO BUARQUE: ANTOLOGIA 1

A imagem que o público fixou de meu filho não é correta. Para o público, Chico é tímido (antes de tudo, tímido), bonzinho, retraído. Nada disso. Pelo menos em família e com os amigos, é completamente diferente, um rapaz brincalhão, extrovertido, bem para fora. Quando ele aparece em público, torna-se diferente. Talvez seja o medo de parecer ridículo. Mas podem crer, ele não é tímido, nem bonzinho. É, sem dúvida, uma boa pessoa. Mas não bonzinho, no sentido em que esta palavra é interpretada. Quando criança, jamais foi um rebelde. Posso assegurar que se tratava de uma criança normal. Procurava sempre ser independente. E essa independência ele afirmava, procurando fazer tudo o que faziam os irmãos mais velhos. Não era nem ligado ao pai nem à mãe. Dava-se bem com todos. Com as irmãs, tias e avós. Quando viajamos para a Itália (nesse tempo tinha 8 anos), deixou para avó um bilhete:

"Avó, vou para Itália. Quando eu voltar, provavelmente a senhora estará morta. Mas não se preocupe. Eu vou me tornar um cantor de rádio. É só a senhora ligar o rádio do céu que vai me escutar".

Desde menino, sempre se interessou por música e futebol. Jogo, não perdia uma irradiação. Seus ídolos eram Telê, do Fluminense, e Pagão, do Santos. Na Itália, torcia pelo Genoa. Da música popular, seus ídolos eram Ismael Silva, Caymmi e Ataulfo Alves. Mas tarde, João Gilberto, de quem procurava imitar o estilo. Chico também não é um compositor de classe média, como afirmam por aí. Quando surgiu a bossa-nova, Chico se encontrou com ela. Apreciava muito João Gilberto e ouvia-o seguidas vezes. Vinícius, muito amigo da família, aparecia sempre em festas e Chico ficava a ouvi-lo, com grande admiração.

Desde cedo, Chico já tinha namorada. Sempre foi muito vivo e alegre. Jogava futebol nas ruas, como todos os garotos de sua idade. Quanto aos estudos, dedicava-se a eles principalmente às vésperas de exame. Estudava duas ou três horas seguidas, depois cansava e ia se divertir. Em 1962, quando terminou o curso científico, foi orador da turma, provocando muitas risadas com seu discurso cheio de humor. O sucesso não o mudou essencialmente, chateia-o um pouco, apenas. Hoje, não pode sair às ruas sem que lhe venham pedir autógrafos. Continua fiel aos amigos, embora não tenha muito tempo para se dedicar a eles. Assim que chega a são Paulo, telefona para todos, organiza noitada com eles. Chico sempre viveu em bando, com muitos amigos, uma verdadeira turma. Sua formação é, sem dúvida, paulista. Nasceu no Rio, mas quando completou 2 anos, mudamos para São Paulo. Aqui, passou toda sua infância. Preferiu fazer o científico porque achava que o curso clássico era coisa de mulher. Dado momento, escolheu um ramo bem aproximado do artístico: arquitetura. Ficava em casa criando cidades imaginárias. Todas tinham uma fonte no meio da praça: lembrança das fontes de Roma, onde moramos algum tempo.

Chico, em vez de começar a falar, cantou. Desde que tentou se expressar foi através da música. Mas tarde, ficava com as irmãs aí pela sala, inventando música. Dizia que já que não conhecia de cor música de outros compositores, era obrigado a inventar as próprias. O sucesso veio de repente, sem que ninguém esperasse. Recebi a notícia de que Chico tinha ganho o Festival de Música Popular Brasileira com "A Banda", quando estava em Nova York. Um jornal norte-americano publicou a notícia. Claro que me senti muito orgulhoso. Cheguei à conclusão - o que uma revista publicou na época - de que, antes, ele era meu filho. E depois do festival eu passei a ser o pai dele. Não há posição melhor.
Das suas músicas todas, gosto mais de "A Banda", "Pedro Pedreiro", "Roda Viva" e "Carolina". Nunca me esquecerei do dia em ouvi "A Banda" pela primeira vez, em Nova York, na casa de um amigo. Foi uma grande emoção. Não obstante todo o sucesso, o qual não lhe provoca muito prazer, é bem capaz de Chico largar tudo isso e partir para uma outra coisa qualquer, bem diferente. Ele é bem capaz disso. Muito inquieto. Muito inteligente. Sempre gostou muito de ler. Guimarães Rosa é um de seus autores preferidos. Quando fez "Pedro Pedreiro", inventou uma palavra: penseiro. Talvez inspirado em Guimarães Rosa, que também era dado a inventar palavras. Tolstoi e Dostoiévski também eram seus favoritos. Assim como Kafka. Em geral, ele ia lendo tudo o que caía em suas mãos. A música é responsável por ele ter abandonado o curso de arquitetura, decisão que tomou sozinho. O sucesso abriu uma impossibilidade de estudar. Excesso de compromissos, solicitações. Creio que, na música, ele se realiza mais, se torna muito mais feliz. É preferível um compositor realizado, que um arquiteto frustrado, como todo mundo sabe. Quando vai compor, geralmente fica isolado, no quarto, sozinho. A música e a letra sempre nascem juntas, uma ligada à outra, indissoluvelmente. Desde que aprendeu a tocar violão, com sua irmã Heloisa, hoje casada com João Gilberto e morando em Nova York, nunca mais deixou de compor.

Sua adolescência foi normal, sem nenhum conflito especial. Posso considerá-lo um rapaz feliz. Suas primeiras composições falavam de amor. Mais tarde, quando ingressou na faculdade, passou a fazer música de participação, sendo que a primeira foi "Pedro Pedreiro". A família ficou um pouco tonta com o sucesso tão fulminante, tão rápido. Mas já nos acostumamos. Chico é que não se habituou a ele. Ficou muito contente de ter ido a Paris, porque ninguém o conhecia por lá. Talvez o sucesso tenha provocado uma espécie de defesa, tornando-o um pouco retraído. De fato, meu filho não é tímido. É bem diferente a imagem que temos dele. Trata-se de uma pessoa normal, alegre, sem problemas graves de personalidade. Eu sei o que eu estou falando. Sou seu pai há 23 anos.
(Sérgio Buarque de Hollanda, 1968)

CHER 69: "3614 JACKSON HIGHWAY"

Original Released on LP ATCO 33-298 (1969/07)

I must admit that I am not a big fan of Cher's music. But this record which only recently I've listen to, is a hidden gem from the late sixties. It is her sixth studio solo album and

it was named after the address of Muscle Shoals Sound Studio, in Sheffield, Alabama, where it was recorded, and produced by Jerry Wexler, Tom Dowd and Arif Mardin.

Cher covers three Bob Dylan songs, all from his then current album Nashville Skyline, but the best cover of all is the opening track, "For What It's Worth", a composition by Steven Stills, from the times of Buffalo Springfield.

This album reveals that not only did Cher have soul, but the Swampers are the quintessential foil for her decidedly unique style. Like Soul Music serpent charmers, they summon from Cher the most authentic, if not interesting work she had been responsible for.

JOSÉ FARIA GOMES: HIS SONG OF LIFE

TOMMY JAMES & THE SHONDELLS: "KATHLEEN McARTHUR"

Corria o ano de 1969, tinha eu 16 anos e o grande sucesso musical era "Crimson & Clover", com Tommy James & The Shondells. Comprei o que na época chamava-se um Compacto Simples, com essa música no Lado A e "I´m Taken" no Lado B. Um de meus melhores amigos comprou o LP e disse-me que a canção, no LP, tinha uma versão mais longa e com um solo de guitarra diferente. Ele emprestou-me o disco e, ao escutá-lo por completo descobri a canção "Kathleen McArthur". Foi paixão à primeira vista. Jamais tinha ouviso o nome Kathleen antes e achei-o diferente, soava melodioso. Nos meus sonhos de adolescência divaguei e prometi a mim mesmo que se algum dia constituisse família e tivesse a oportunidde de vir a ser pai de uma menina esse seria o nome a dar-lhe. Casei-me em 1981 e, em abril de 1982, nasceu minha filha, Kathleen é claro. Em 1996 ao acessar um site do fã-clube da banda contei lá esta história. Aconteceu de o dono do site ser amigo pessoal do Tommy James e transmitir-lhe a história. Tommy James achou interessante e cedeu cópia da partitura original que me foi enviada via -e-mail. Kathleen, por coincidência, casa-se hoje e espero que eu lhe tenha incutido o gosto pela boa música.

*

I work for the father of Kath-a-leen McArthur

So respectable, so refined

I tend to the garden, I then clean the yard

And straighten up the "No trespassing" sign

Oh, they've got a fishing yacht and a limousine

And a very lovely daughter, Kath-a-leen.

*
In a house that's fit for twenty

there they sit with plenty

Independently, high society

Every morning when I meet her

I tip my hat to greet her

"Well hello, Kathleen, how are you today?"

Kathleen, so serene, Daddy's unaware

Of the mask you wear, and the love we share.
*

Yes, I work for the father of Kath-a-leen McArthur

So respectable, so refined.

MR. WATERMELON MAN: MONGO'S LA BAMBA

ANOTHER GREAT COVER!

AND MUSIC! AND SOUND!

Ramon "Mongo" Santamaria originally took up the violin but then switched to drums before dropping out of school to become a professional musician. A performer at the Tropicana Club in Havana, Mongo traveled to Mexico City with a dance team in 1948 and then moved to New York City in 1950, where he made his American debut with Pérez Prado and spent six years trading percussive barrages with Tito Puente and performing and recording with Cal Tjader (1957-1960). Mongo's first significant recordings in America were made in 1958 for Fantasy; his second Fantasy album, Mongo (1959), contained a composition called "Afro-Blue," which quickly became a Latin jazz standard, taken up by John Coltrane, Dizzy Gillespie, and others.

Santamaria's breakthrough into the mass market may have come as a result of a bad night at a Cuban nightclub in the Bronx in 1962. As the story goes, only three people showed up in the audience, so the musicians held a bull session in which the substitute pianist for the gig, Herbie Hancock, demonstrated his new blues tune, "Watermelon Man." Everyone gradually joined in, the number became a part of Mongo's repertoire, and when producer Orrin Keepnews heard it, he rushed the band into a studio and recorded a single that leaped to the number ten slot on the pop charts in 1963.

The success of Santamaria's cross-pollination of jazz, R&B, and Latin music on "Watermelon Man" and a string of Battle and Riverside albums led to a high-profile contract with Columbia that resulted in a wave of hot, danceable albums between 1965 and 1970. With a brighter, brassy sound propelled by trumpeter Marty Sheller's driving charts, often covering hits of the day, the Santamaria band perfectly reflected the mood of the go-go '60s, and Mongo continued to mix genres into the '70s.

One good hit deserves a remake, so Columbia had Mongo Santamaria redo his breakthrough record "Watermelon Man" on his second LP for the label. Indeed, it is this brighter, better-recorded version that we generally hear on the radio nowadays instead of the Battle original. Even better, though, are "Fatback" and the wildly swinging workout on "La Bamba" that kicks off the album, to which you can imagine the foxy blonde model on the cover dancing the boogaloo. Marty Sheller's charging arrangements and trumpet are in the driver's seat of this sports car with the Mongo engine, and Hubert Laws has a ball in his flute and tenor sax solos. Few records embodied the go-go spirit of the '60s as well as this Latin jazz album.

(Richard S. Ginell in AllMusic)

Original Released on LP Columbia CL 2375 / CS 9175 (1964)

VITOR MARTINEZ: HIS SONG OF LIFE

THE BEATLES: "I WANT TO HOLD YOUR HAND"

Canções de que gostei e que me influenciaram durante a minha vida houve algumas, não muitas, mas esta foi “a canção”.

“I Want To Hold Your Hand”, dos The Beatles, veio ter às minhas mãos e aos meus ouvidos no dia do meu 16º aniversário e a partir desse dia passei a ter uma paixão: a música. Foi uma canção ouvida durante muito tempo num gira-discos portátil de pilhas, em plástico, em que a tampa era o altifalante. O disco foi-me oferecido como prenda do meu aniversário, conforme pode ser visto no verso: 3/2/64. Era, e é, um Ep, edição fabricada em Portugal pela Parlophone, que tinha além desta, as outras canções: "I Saw Her Standing There", "This Boy" e "Chains".

A partir daquele dia nada foi como antes. Ainda hoje conservo este e outros discos que nessa altura adquiri e a música passou a ter uma influência sobre mim como nenhuma outra forma de arte teve. Foi a descoberta de um novo mundo que até hoje me acompanha em todos os bons e maus momentos da minha vida, pois onde quer que esteja, em casa, no carro, a viajar, etc., a música é a minha companhia imprescindível.

A partir deste disco, este sim o “The Disc Of My Life”, descobri uma imensidade de sons e cores de que aqui também quero deixar testemunho, sem querer ser exaustivo, nem pouco mais ou menos: Beatles, pois claro, Dave Clak Five, Herman’s Hermits, Hollies, Cream, Pink Floyd, Animals, Kinks, Shadows, Moody Blues, para referir on ingleses; os americanos Beach Boys, Byrds, Doors, Mamas & Papas; Johnny Halliday, Sylvie Vartan, Françoise Hardy, Antoine, Les Problémes, nos franceses; Jimi Hendrix, Eric Clapton e mais, muitos mais que aqui agora não posso referir, que, num critério de qualidade que agora à distância pode ser discutível, mas que naqueles anos nos alimentavam a alma e o coração, além dos ouvidos, com “aquela música”!

“I Want To Hold Your Hand” foi o rastilho; a explosão depois foi tão forte que hoje, passados mais de quarenta anos, ainda se houve o barulho que ela fez!!!

Oh yeh, I'll tell you something

I think you'll understand

Then I'll say that something

I wanna hold your hand

I wanna hold your hand

I wanna hold your hand.

*

Oh please say to me

You'll let me be your man

And please say to me

You'll let me hold your hand

Now let me hold your hand

I wanna hold your hand.

*

And when I touch you

I feel happy inside

It's such a feeling

That my love I can't hide

I can't hide, I can't hide.

*

Yeh, you got that something

I think you'll understand

When I feel that something

I wanna hold your hand

I wanna hold your hand

I wanna hold your hand.

WE SHALL DANCE WITH PAPETTI

Everything here is GREAT:

THE COVER! THE MUSIC! THE SOUND!

ENJOY ALL!!!

Original Released on LP Philips 6381 003 (1972)

PEDRO SANCHEZ: HIS SONG OF LIFE

CAROLE KING: "YOU'VE GOT A FRIEND"

Corría el año 1974, aquí ya se respiraba ese aire de libertad que venía de nuestros vecinos portugueses, pero la dictadura se resistía a morir. Yo tenía 16 años y había una chica de la que estaba enamorado. Nuestra relación no había llegado más allá de una buena amistad. En las navidades hacíamos una fiesta los amigos, aquí se llamaban "guateques", y me atreví a pedirle que bailara conmigo. Sonaba en ese momento el disco "Tapestry" de Carole King y concretamente esta canción. Fue un momento mágico, con una maravillosa banda sonora que marcó una relación que duró cuatro años. Nuestras vidas tomaron caminos separados pero estoy seguro que ella, dondequiera que esté, cuando oiga esta canción recordará, que "tiene un amigo"

*

When you're down and troubled

And you need a helping hand

And nothing, nothing is going right

Close your eyes and think of me

And soon I will be there

To brighten up even your darkest nights.

*

You just call out my name

And you know where ever I am

I'll come running, to see you again.

Winter, spring, summer, or fall

All you have to do is call

And I'll be there

You've got a friend.

*

If the sky above you

Should turn dark and full of clouds

And that old north wind should begin to blow

Keep your head together and call my name out loud

And soon I will be knocking upon your door.

*

Hey, ain't it good to know that you've got a friend?

People can be so cold

They'll hurt you and desert you

Well they'll take your soul if you let them

Oh but don't you let them.